Dramaturgia del actor para crear poéticas escénicas contemporáneas con YANINA MARINI

Del 9 al 13 de marzo

De 10h a 14h

150€

Más información e interesados, escribir a escuela@teatrodelbarrio.com o llamar al teléfono 910843692 de lunes a viernes de 10h a 14h (Lucía).

METODOLOGÍA REALIZADA A PARTIR DE UNA PROFUNDA INVESTIGACIÓN CON EL CUERPO, LA VOZ, EL MOVIMIENTO Y LA DRAMATURGIA A PARTIR DEL PROPIO ACTOR, CREANDO UNA POÉTICA PARTICULAR CON SU PROPIO CUERPO EN MOVIMIENTO.

BAJO LINEAMIENTOS TEÓRICOS QUE REUNEN A: Jersy Grotovski, Antonin Artaud, Peter Brook, Vsévolod Meyerhold, Tadeusz Kantor, Eugenio Barba, Ricardo Bartís, Chiqui González, Gustavo Guirado.

Descripción

1er. Nivel «La poética de uno mismo»

DESCUBRIRSE – ABRIRSE – METAFORIZARSE – OBJETIVARSE

OBJECTIVOS
 Establecer lazos, grupales, de cooperación y generosidad.
 Conocerse, reconocerse en y con los demás, confrontarse y vincularse.
 Recuperar la instancia del juego, incentivando las capacidades expresivas del cuerpo en relación al espacio, y a los otros cuerpos.
 Descubrir y valorar la importancia de este lenguaje, como medio de comunicación, interrelación, autoconocimiento y apropiación de la realidad, también como herramienta para ser utilizada en beneficio de la actividad específica de cada integrante.
 Encontrar un lugar placentero de trabajo donde puedan metaforizarse y simbolizarse.
 Desarrollar el interés por este lenguaje teatral.
 Desarrollar una autodisciplina.
 Utilizar la “intuición entrenada” con los cinco sentidos en presupuestos estéticos y técnicos.
 Desarrollar la imaginación sensorial.
 Autoconocerse físico y emocionalmente y encontrar la disponibilidad para traspasar los propios límites.
 Desarrollar la escucha a todos y todo lo nos rodea, incluso a uno mismo.
 Aprender a sintetizar artísticamente, simbolizando y poniendo en signos metonímicos la propia historia e identidad.
 Concientizarse de la necesidad de un gran trabajo de investigación, previo al ámbito de ensayos.
 Generar el apetito creativo, la iniciativa e independencia artística.
 Encontrar un estado de «trance o rito», como método de introspección para el entrenamiento y creación artística.
 Encontrar un “centro emocional” al que volver, al acabar el trabajo de escénico.
 Descubrir los signos semiótico – teatrales, “Metáfora” y “Metonimia”.
 Acercarse a la Composición de una Dramaturgia Grupal.
 Reflexionar sobre el proceso teórico / práctico, detectando las particularidades personales.
 Conocer nuevos verosímiles poéticos para la escena.
 Enfrentarse al público, percibir la reacción del público.

TEMARIO
 Técnicas de introspección y autoconocimiento personal y artístico.
 Imaginación sensorial.
 Signos, símbolos y ritos escénicos.
 Lectura semiótica de la puesta en escena.
 Poéticas escénicas

ACTIVIDADES
 Estructura plástico – dramática. «Objetos maravillosos». Signos metonímicos y metafóricos. Puesta en escena. Exposición y posterior análisis formal.
 Recreación ficcional de la puesta en escena del otro. Construirse a partir de imágenes poéticas.
 «El nombre propio como mapa geográfico». Collage. Exposición personal.
 Improvisaciones posibles. Dramaturgias, puestas en escena y sujetos escénicos resultantes.

Destinatarios directos
Está destinado a jóvenes y adult@s de todos los géneros. Especialmente, a actores / actrices, bailarin@s, director@s, dramaturg@s y docente@s que quieran formarse en cómo crear una dramaturgia, puesta en escena y sujetos escénicos, en 1era. persona, sin texto previo, con poética contemporánea y a partir del cuerpo en acción.
Podrán integrarse también, personas con alguna experiencia o iniciación en trabajos sensibilizados con cuerpo-mente-espíritu, ya que el trabajo es excelente, también para el autoconocimiento.
Se llevará a cabo una entrevista personal, personal o telefónica, antes de comenzar el trabajo, para tener una evaluación inicial, personal y del grupo.

 

Cantidad de alumn@s: Entre ocho y veinte personas

Duración del proceso: Intensivo de 20 horas (1o Nivel)

Es una metodología que se imparte en formato de LABORATORIO de investigación y entrenamiento. Pueden realizarse los 6 niveles de manera aislada, ordenados o no, aunque, de ser posible, se recomienda seguir el orden propuesto.

 

Filosofía en la que se basa

¿Por qué el teatro?

En la interpretación, existe un espacio de juego, donde se abren lugares de seguridad. El teatro está ligado a lo lúdico, incluso en lenguaje, códigos que se captan más allá de lo que se diga. Nos podemos permitir encontrar con nuestra sensibilidad, lugares más íntimos y veraces. Quizás hasta se pueda hablar de “salud”, como un estado de sensibilidad y apertura que provoque placer y permita estar más empáticos y compasivos con placer y al dolor ajeno porque nos protege una ficción desde donde relacionarnos, experimentar, perdernos, encontrarnos, chocarnos con otras maneras de accionar que no sólo tengan que ver con la lógica y construir. Nos podemos permitir recuperar la vulnerabilidad y simbolizar nuestras propias experiencias, sueños y temores. Pero todo ésto no se pone al descubierto, se mantiene en la poesía del teatro.

Transitando algunos de los caminos del entrenamiento teatral, podemos encontrarnos con que el propio cuerpo comienza a percibir de otra manera a los demás cuerpos, se compromete desde “la convención” y puede salir de ese lugar, simplemente, rompiéndola.

Paradoja: sumergirse en el círculo de la ficción para encontrar el coraje de no fingir. El trabajo de un actor en 1o persona, no creando a un otro, sino creando un “yo” externo como consecuencia de situaciones dadas determinadas que lo modifican sin dejar de ser el propio actor – cuerpo transformado, extracotideaneizado, con
sus imágenes y experiencia puestos en juego.
Los mundos imaginarios, que nos permitiremos transitar, son la excusa para encontrarse con uno y con el otro, en el espacio de la ficción, donde es posible descubrir las resonancias de otras voces en el propio cuerpo y transformar nuestros impulsos en hechos creativos…
En esta instancia, del juego y experimentación podemos, a partir de la respiración, la mirada, el movimiento, el sonido, el texto y la acción, aceitar los engranajes del cuerpo para despertar la maquinaria creadora, la imaginación.
Trabajaremos desde el formato de laboratorio con la intención de disponer de recursos que, en un espacio formal, no están contemplados. Confiando en que el aprendizaje grupal acreciente el de cada sujeto. Un espacio donde se pueda “decir”, escuchar y ser escuchado; donde el trabajo de interrelación permita un mayor crecimiento personal y la aprehensión de algunas nuevas herramientas para ser utilizadas en todos los ámbitos de la vida.

«Todo verdadero sentimiento es intraducible, expresarlo es traicionarlo, pero transmitirlo es disimularlo. La expresión verdadera oculta lo que manifiesta, produce la idea de vacío.»

Antonin Artaud

¿Cómo sería este actor /actriz?

Se encontrará con la emoción, por medio de bases orgánicas, teniendo siempre en cuenta que el entrenarse
como ser humano íntegro, que su cuerpo, su voz, su alma y sus pensamientos confluyan en un gesto
exteriorizado.

«El actor debe tener un estado de disponibilidad pasiva para realizar un papel activo”

Jersy Grotovski

¿Para qué ser actor /actriz?
La actuación no es un escape, ni un refugio, sino un camino para descubrir la vida; encierra algo victorioso y vengativo.

¿Por qué Poéticas Escénicas?
Debido a la evolución psicológica, social, de pensamiento y de información que ha habido entre el siglo XX y lo que va del XXI, existe la necesidad y responsabilidad, del artista escénico, de transformarse, investigar e innovar en su técnica y en su poética de creación para poder continuar narrando en los criterios artísticos de los tiempos
que corren, un tanto alejados de la lógica psicológica y racional. Buscar caminos que nos permitan sentirnos, transformarnos, que nos distancien del aburrimiento, la inercia y la
estupidez.

El teatro o las artes escénicas, han evolucionado frente y junto a esa realidad y las Poéticas Escénicas buscan nuevos modos de expresar. Aunque paradójicamente, con este fin y envuelto en una gran evolución y crecimiento, el teatro esté volviendo al ritual, a sus propios orígenes, también es consciente de que ya no se piensa dentro de un rígido discurso ideológico. Las grandes certezas se han quebrado y como consecuencia de esa crisis en la representación, se crea un “teatro mestizo, bastardo», acorde con la necesidad de dar cuenta de un estado de la realidad un tanto distante de los convencionales modos de dramaturgia escénica, con una lógica nueva, teñida por las leyes de la semiótica, la simultaneidad, la velocidad, lo efímero, lo visual, lo tecnológico, las redes…
«Las Poéticas Escénicas» merecen un trabajo de investigación específico, ya que permiten realizar creaciones propias, que no siempre parten de lo textual.

Las dramaturgias grupales que son las consecuencias de estos procesos de investigación y creación con los actores y han tenido un gran desarrollo en Argentina, Méjico, Colombia, Venezuela, Uruguay, Cuba, Polonia, etcétera.

Partiendo de algunos parámetros del Teatro Visual, los nuevos textos dramáticos son partituras abiertas de constantes rupturas argumentales, verbales y visuales. Donde se narra lo que no se pueda transmitir con palabras, volviendo a dar preponderancia a la presencia escénica del actor / actriz sobre las situaciones que solo son pretextos y los textos que primero adquieren un sentido musical y después brindan sentido, al confluir con objetos y cuerpos elevados a la condición de signos.

El actor / actriz no busca revivir historias ajenas, narradas por un autor, sino encontrar las resonancias de esas historias y seres en el propio cuerpo, en 1a persona. Para esto, debe conocerse a sí mismo, física y psíquicamente y que sea capaz de ser poroso, perceptivo, creativo, que sea capaz de «escuchar» en el amplio sentido de la palabra, que tenga un bagaje de imágenes tan amplio que pueda vivirlas y emocionarse.

Si logramos ser nosotros mismos, íntegramente, si solo fundimos nuestra historia, nuestras situaciones, nuestro accionar intuitivo y nuestras propias imágenes, personas y objetos, con las que cada improvisación sugiere, quizás así, nos encontremos que estamos creando realmente, desde nosotros, desde nuestra mayor verdad, un ser muy diferente del que hubiéramos planificado, poniendo en escena un texto previo.

No se trata de montar una obra para enseñar lo que ya se conoce, intentar proyectarse hacia lo desconocido. El objetivo del actor / actriz es llegar a la madurez, a una desnudez total desde donde expresar lo único que le pertenece, su intimidad. Este método, personal, puede llegar a ser terapéutico y debe permanecer
abierto. Se trabaja a partir de diferentes tipos de rituales.

La presencia y la acción, fueron desde sus orígenes rituales, las fuerzas vivas del teatro para generar y mantener la atención de la audiencia y le proporciona emociones bajo la inquietud de la proximidad. Pero en la evolución del teatro en occidente, se produjo un punto de inflexión a partir del cual, la fuerza de la presencia,
empezó a diluirse en aras de una mayor ilusión en la representación de las ficciones. Ese punto de inflexión se produjo con el descubrimiento de la perspectiva pictórica, en los albores del Renacimiento, sometiendo al teatro a sus artificios. Esta tendencia burguesa acrecentada por la posibilidad de oscuridad de las salas, se extenderá hasta el mismo siglo XIX, determinando la idea de teatro, que ha prevalecido en la cultura occidental y que se continúa viendo, en algunos lugares, en la actualidad y ha permanecido en el imaginario popular del teatro, hasta nuestros días. Pero lo que, en realidad, se consiguió en ese camino, sin tener conciencia de ello, fue inventar el cine. Hasta que no llegó el cine, no hubo una transformación de las artes escénicas y no empezaron a liberarse, retornando a la fuerza de la presencia. Presencia (experiencia) opuesto a ilusión (contemplación). La potenciación de la exposición y la provocación escénica para conseguir del espectador una actividad intelectual o una reacción más física lo que devolverá el teatro al terreno de la
experiencia viva.

Las revoluciones artísticas del siglo XX, llevan a poetas y artistas escénicos y plásticos a innovar y experimentar en la provocación, liberándose de los corsés de las escrituras dramáticas. Se abrieron múltiples vías de retorno a la base de las artes escénicas, en diferentes modalidades de teatro de texto, teatro danza, ópera, mimo, teatro de objetos o circo, «dramáticas», fundadas en el relato; o «no dramáticas», fundadas en la poesía en un sentido amplio. Actualmente, se usan indistintamente la ilusión o la presencia. Quizás lo más
significativo del panorama de las artes escénicas del inicio del siglo XXI sea la transdisciplinariedad de la rica herencia del siglo XX. Comienzan a crearse espectáculos, directamente para la escena, con la intuición de una dramaturgia que piensa en imágenes plasmadas en partituras textuales.

Estas concepciones abren toda una nueva perspectiva de trabajo, en la fundamentación de la técnica escénica para actores / actrices, director@s, dramaturg@s, para pensar con todo el cuerpo-mente y encontrar la «presencia escénica», las técnicas extracotidianas, el «juego de las oposiciones», la simplificación, síntesis, o estilización de la acción, del espacio y de los signos.

Lo que fascina al espectador, en estos tiempos es que el actor / actriz se expone, se muestra como es, desvela sus secretos, lo que la mayoría de los hombres prefiere ocultar.
No se trata de generar un texto por parte de los actores / actrices y oponerla al «teatro de autor». Dentro del proceso de producción dramatúrgica hay dos etapas y dos discursos: la etapa de escritura del texto verbal y la etapa de escritura del texto del espectáculo. El texto partitura de lenguajes no verbales. La dramaturgia de actor / actriz, pertenece a la segunda etapa, puede perfectamente hacerse con un texto ya escrito (clásico, romántico, moderno o arcaico) o generar un texto propio. Se basa en la improvisación a condición de que ésta no sea utilizada para corroborar o adornar las ideas del director, sino que sea el campo creador de los actores, entrenados en la improvisación.
El nuevo arte no quiere proponer argumentos racionales sino transmitir una energía espiritual. La imagen artística es siempre un símbolo y se puede crear y sentir, aceptar o rechazar, pero no se puede comprender en un sentido racional. Ya no entenderemos el arte escénico como imagen de la vida, sino como vida de la imagen. Lo bello surge en la búsqueda de la verdad.

Abrimos un camino para encontrar la propia sensibilidad, los lugares más íntimos y veraces, los propios resortes creativos, en una faceta de artista integral, (actor, bailarín, director, dramaturg@…)

¿Qué beneficios o salidas profesionales me facilitaría el realizar este Laboratorio?

El trabajo tiene un beneficio personal muy claro, tanto a nivel de autoconocimiento, comunicación, sensibilización y crecimiento personal, además de lo relacionado con el modo de escuchar y percibir a los demás, al entorno y a sí mismo. También existirá un impacto en la selección de material artístico del alumn@ y en el modo de valorar, desde el punto de vista de público, cualquier obra de arte, debido al acrecentamiento de información y a las diferentes experiencias transitadas.
Por otra parte, entre los caminos profesionales que pueden abrirse a partir de realizar este laboratorio, se encuentran: la creación y realización artística, como creador@s investigador@s, en todas las tendencias, que hoy, denominan: «TEATRO VISUAL, TEATRO DANZA, TEATRO DE OBJETOS, TEATRO POÉTICO, TEATRO DEL ABSURDO, POÉTICAS ESCÉNICAS CONTEMPORÁNEAS, NUEVAS DRAMATURGIAS, ETC.» En síntesis, para cubrir las ofertas de creación, investigación de arte escénico con herramientas de construcción variadas y perspectivas metodológicas actualizadas.

 

5. Metodología docente

En este laboratorio se intentará fomentar la adquisición de conceptos y habilidades y se potenciarán la creatividad, la espontaneidad, el pensamiento simbólico personal, el pensamiento independiente y flexible, la búsqueda de estrategias propias, la implicación afectiva y la comprensión estética, la memoria creativa, el gusto, el placer, las preferencias, la percepción, la representación y la expresión de sentimientos e ideas.

Se enfocará desde una perspectiva personalizada y de experimentación práctica. Los contenidos conceptuales y procedimentales, los datos y las técnicas, estarán presentes, pero sólo se abordarán cuando se hayan explorado intuitivamente.
Se trabaja mayormente, en trabajos grupales, donde el entrenamiento es personal, pero todo el grupo entrena de manera conjunta, en su proceso personal y ritual.

El docente no es un terapeuta, su función es la crear las condiciones óptimas para que el alumn@ se disponga a trabajar, otorga las herramientas para profundizar en el proceso personal de auto conocimiento y apertura a la creatividad.

El grado de conciencia del alumn@ durante el entrenamiento varía entre una sesión y otra y entre diferentes momentos de las sesiones. Durante el entrenamiento, el alumn@ esta constantemente asociando y buscando imágenes para conectar consigo mismo y relacionando esto como una unidad con su trabajo de entrenamiento. Es un momento de vulnerabilidad, de apertura, cuando el alumn@ accede y opera en su alma, su psiquis, lo más intimo de su persona. El alumn@ tocara lo mas profundo de su ser y así podrá mostrarlo posteriormente tanto como parte del laboratorio así como en un espectáculo. Antes hay que conocerse para después poder mostrarse.

Se trabaja en un estado de serenidad y alerta, de profundidad. Es una puerta, un acceso que le permite entrar en este estado de ceremonia para llegar hasta el inconsciente, articular el proceso y disciplinarlo, construir una partitura que le permita recibir y dar, eliminar las resistencias físicas y mentales, enfrentarse como ser humano, abrirse a la comprensión del otro, de encontrarse en el otro, como un acto de revelación donde se comprometa la personalidad completa del alumn@ y del docente.

Todo el proceso de investigación del Laboratorio, está basado en encontrar diferentes técnicas extracotidianas, que no intenten comunicar, sino poner en forma el cuerpo, la emoción, la imaginación y los reflejos de percepción, no para transformar nada, sino para prepararse para la exposición.

Primero trabajaremos conceptos esenciales de la persona en escena. El principio escénico de derroche de energía para un mínimo resultado. Las técnicas extracotidianas son la «alteración del equilibrio», poniendo al alumn@ en situación de incertidumbre, donde no controle, donde no se sienta seguro. Se trata de poner en tensión diferentes energías físico o emocionales para generar la Presencia escénica, que es en lo que se basa el trabajo y lo que se percibe como interpretación, por parte del público.

Posteriormente se trabaja la «Estilización», la síntesis, de una cuidadosa selección. Retener, no dispersar en un exceso de vitalidad y de expresividad. Entre lo «visible» y lo «invisible».

Se desarrolla un trabajo con el espacio, el tiempo, los objetos, la música, el texto, los silencios, las luces, el vestuario y los compañeros de escena.

Y por último, se abordan cuestiones relacionadas con el vínculo con el público, en un “acto vivo de presentación” y no de “representación”.

El texto se tratará, durante el proceso de investigación escénica, primero, en su sentido musical, como una oración que corresponde a un idioma desconocido, pero que es utilizada para transitar relaciones, situaciones diferentes. Así se encontrará un nuevo sentido.

La estructura dramática se irá creando por la poética del grupo, no por el texto previo.
El rol del docente es crear las condiciones propicias a esa creación, metodológicas, estimulantes e incitadoras y estar atento a la totalidad, a la organicidad de la estructura, la cual escapa al alumn@ por razón su inmersión.

Es el desarrollo de la personalidad y la sensibilidad propia del alumn@, en lo que compete a nuestra especialidad, el fin último que se persigue aquí, de manera tanto más acusada cuanto que el arte escénico es, ante todo, vehículo de gestación de emociones y no de comunicación conceptual, en el que lo subjetivo ocupa, por consiguiente, un lugar primordial.

La información que suministrará al docente, la entrevista telefónica previa con cada alumn@ y la evaluación inicial, servirá como punto de referencia para la actuación pedagógica.

En este Laboratorio, posiblemente se aborden textos de tendencia contemporánea para relacionarlas con “Las Poéticas Escénicas”

Se profundizará en el concepto de “artista escénico creador”, por medio de procesos de Composición y adentrando al alumn@ en el proceso de gestar un proyecto propio o grupal.

De acuerdo con las características del grupo, el trabajo creativo podrá tomar diferentes formas: trabajos individuales, colectivos, sobre textos dramáticos, trabajos de creación, trabajos escritos de investigación.

Durante todo el Laboratorio, se podrá subdividir la clase, para la supervisión de ensayos o para la realización de diferentes tareas o la investigación de contenidos concretos, que se contrastarán, posteriormente, de manera grupal.

Por lo general, se cerrarán las sesiones con una explicación teórica y una reflexión en grupo de lo trabajado, con el fin de que los alumn@s asimilen el objetivo y no únicamente el juego o la práctica de las actividades.

Podrá encargarse a los alumn@s que realicen tareas o preparen ejercicios o ensayen escenas o se documenten sobre los temas trabajados, fuera de las clases.

Después de la evaluación inicial, se determinará el grado de consecución de los diferentes objetivos.

Dado el carácter práctico del Laboratorio y el criterio de apertura del mismo, los ritmos y las necesidades individuales de cada alumn@ marcarán el ritmo de asimilación del temario ya que el trabajo creativo no se puede imponer, sino que aparece en cualquier momento.

Con una intención claramente pedagógica, se podría realizar una clase abierta al final de cada nivel.

Los alumn@s podrán tener un diario de clase donde recoger los siguientes aspectos trabajados en la práctica, ejercicios realizados, problemas encontrados, evolución y percepción personal, base teórica, etc.

Cada clase se tenderá a dividir en tres espacios de tiempo:
* Investigación práctica * Exposición / observación. * Desarrollo teórico y crítica constructiva.

Organización y secuenciación de los Contenidos

Muchos de los contenidos se trabajan de manera transversal e integral, durante todo el Laboratorio. Por lo tanto, la secuenciación de los contenidos, se realiza a modo orientativo y siempre refiriéndose a cuál es el área en el que se pondrá el foco de atención conceptual y práctico. (Ver división de los contenidos y cantidad de horas en el apartado de Temario).Por esta razón, las actividades que relacionan diferentes contenidos y persiguen objetivos transversales e integrales, se repiten en la programación de diferentes NIVELES, aunque eso no significa que se vuelvan a realizar los ejercicios, necesariamente, en diferentes momentos del Laboratorio, sino que cuando se los aborde, se analizarán todos los temas que puedan ser intrínsecos al mismo.

Recursos didácticos
– Espacio vacío, amplio, con suelo de madera o similar y aclimatación de frio o calor para el desarrollo de la actividad física y artística, adaptado a la cantidad de alumn@s del Laboratorio.
– Equipo de audio, en lo posible, que lea USB, MP3, con potencia suficiente.
– Iluminación para crear microclimas o espacios escénicos. Evaluación

La evaluación servirá para fomentar la reflexión, orientar y analizar el proceso educativo. Para ello será:
-Continua, lo que permitirá observar el modo en el que se desarrolla el proceso de aprendizaje.
-Integral, para que permita apreciar la adquisición de nuevos conceptos, procedimientos, actitudes, capacidades y recursos por parte de cada estudiante.
-Diferenciada, para que se ajuste a las características del proceso de aprendizaje de cada alumn@ y no de los alumn@s en su conjunto. La evaluación individualizada suministrará información al propio alumn@ sobre lo realizado, sus progresos y las iniciativas que deberá llevar a cabo para mejorar su rendimiento académico.
-Orientadora, porque debe ofrecer información permanente sobre la evolución del alumn@ con respecto al proceso de enseñanza-aprendizaje.

Partiendo de todos estos puntos, la evaluación permitirá readaptar los contenidos y las metodologías a cada grupo y alumn@, de manera continua.
Los procesos de evaluación tienen por objeto tanto los aprendizajes de los alumn@s como del docente.
Se evalúa, por tanto, la programación del proceso de enseñanza y la intervención del docente como organizador de estos procesos. Es necesario que el alumn@ participe en el proceso a través de la Autovaluación y la Coevaluación, pretendiendo impulsar la autonomía del alumnado y su implicación responsable.
Se evaluará grupalmente, al final de cada jornada por medio de una devolución teórica y un re-trabajo de acuerdo con las pautas de cada ejercicio.
Se tomará el criterio de la no-existencia del error, sin una verdad o un resultado único al cual llegar, sino que todo puede enriquecerse con el aporte de la técnica y de los compañeros. La instancia evaluativa tendrá que ver con el re-trabajo y con prestar atención a lo que se está haciendo, con hacer conscientes algunos
procesos propios y grupales.

Yanina Marini
www.yaninamarini.com

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