Curso de interpretación para actrices, actores y estudiantes con formación avanzada

– Trabajo físico-energético-plástico-musical del cuerpo del intérprete sobre la escena.

– Incorporación del texto y sus diversas formas de su intervención en el presente escénico.

– Creación del personaje y fórmulas alternativas de sostener la actuación (teatro postdramático/no ficcional).

– Análisis de la Teatralidad y los diversos lenguajes escénicos contemporáneos.

– Creación de un texto o adaptación de diversas literaturas no teatrales hacia un texto de escena.

PLAN DE TRABAJO

Primera Fase (octubre-noviembre): Actores/actrices indagan en relatos del propio cuerpo, del propio imaginario, de su propia historia, de su propios capacidades expresivas,  al mismo tiempo que  se van perfilando temáticas, texturas, textos y/o escenas surgidos a partir de la misma observación del trabajo actoral.

Segunda Fase (diciembre-enero): Se introducen diversas propuestas textuales para que el trabajo actoral y las temáticas y materiales surgidos comiencen a retroalimentar las propuestas tempo-espaciales.  Se fricionan unas con otras y se comprueban las posibilidades reales del material en juego.

Tercera Fase (febrero-marzo): Se define un material escénico a trabajar. Se profundiza en la actuación y realizan toda una serie de ejercicios donde lo actoral comienza a tener que dar respuestas que hagan efectiva la teatralidad del material puesto en juego. Se indaga en resoluciones estéticas en las que se incluyen propuestas lumínicas, musicales, de vestuario, objetos, etc.

Cuarta Fase (abril-mayo): se cierra el trabajo y se muestra el material en público. Se estimula la reflexión sobre las posibilidades de los lenguajes escénicos cuando se impulsan desde el imaginario y el trabajo actoral. También, se buscará comprobar las posibilidades expresivas e imaginativas del actor cuando trabaja con textos de los que ellos mismos son los impulsores.

ASPECTOS ACTORALES A DESARROLLAR

La plástica de los cuerpos como estética

Durante todo el siglo pasado, la sistematización de técnicas actorales ha ido evolucionando. Pero aquellas técnicas instaladas desde los primeros tiempos, basadas en la introspección y con procedimientos psico-biográficos-sensoriales han dominado hasta el presente. Pese a las influencias de maestros como Meyerhold, Grotowsky o Kantor, en los escenarios se siguen viendo actuaciones donde lo corporal está muy poco desarrollado.

Esto no sólo se debe al manejo de la expresividad individual del actor sino también a una concepción general sobre el rol de la actuación en la puesta en escena. El cuerpo del actor debe ser una fuente indispensable de estética escénica.

La narración espacial como estructura

La ausencia de una estructura textual previa que pueda darle una organización a lo escénico hace necesaria otra fórmula de construcción. El espacio es una de las variables con la que se puede pensar dicho trabajo, por eso muchos conceptos y mecánicas vinculadas al mundo de la Danza pueden ser herramientas vitales para este proceso creativo.

Sin previo contenido, dos cuerpos en el espacio ya narran: por la distancia que hay entre ellos, por su posición en el espacio, por el modo que las líneas entre uno y otro se entrecruzan, porque se miran, porque se dan la espalda… y porque fundamentalmente ante el silencio, quien observa debe incluir su propio mundo para darle sentido a lo que ve.

La música como organizadora de estados

Cuando se genera teatro a partir de un texto, desde el principio son las ‘ideas’ las que imponen un universo de sentimientos a trabajar. Luego, está en manos de quienes lleven adelante el proceso creativo, utilizar las emociones para fortalecer estas ideas, para rechazaras o esconderlas, para plantearlas como mundos  paradójicos, etc…

En el caso en donde aún no existe un texto y las ideas aún carecen de un sustento formal y racional, ¿cómo se puede impulsar la creación? Si de lo que se trata es darle forma a una necesidad expresiva vinculadas al mundo emocional, quizás la Música nos dé alguna respuesta. Estimular situaciones rítmicas, percepciones sonoras, estados musicales que se asocien al territorio emocional puede llegar a ser un primer paso para la creación de situaciones y el posterior desarrollo de ideas, de textos…

El teatro coral o de situaciones múltiples

El teatro, por sus propias características, nunca es, ni ha sido, unÍvoco ni unidireccional, y menos aún puede serlo cuando en estas últimas décadas, la percepción de la realidad también se ha complejizado. La multiplicidad de discursos, perspectivas y miradas que cotidianamente hacemos entrar en juego de manera simultánea ya no pueden explicarnos la realidad de manera causal. Los ‘fractales’, los ‘rizomas’ o las ‘cuerdas’ ya han copado la partida.

Estos conceptos están teniendo un intenso desarrollo estético en el campo de la Cinematográfica, la Televisión, y más recientemente, la Cibernética. Encontrar puntos de apoyo y, al mismo tiempo, distanciamiento con sus mecanismos e ideas nos podría permitir asumir una teatralidad donde los paradigmas del tiempo, del espacio, de las energías y de las ideas estén en permanente circulación y mutación; de modo que podamos concebir el teatro, no como la voz de un individuo sino como un coro de reflejos, de múltiples posibilidades….

El teatro una verdad dentro de varias realidades

En las nuevas creaciones escénicas es muy común ver cómo se impulsa la teatralidad desde lo real: cartas, biografías, no-actores, comidas, animales; y, al tiempo, se observan innumerables intentos de teatralizar la misma “realidad”: intervenciones urbanas, políticos actores, shows empresariales, etc. Pareciera que sin estas cuotas de ‘verdad’ la ficción pierde espacio y crédito y viceversa.

El Perfomance Art y ‘artes visuales’ derivadas han desarrollado su estética alrededor de conceptos como ‘intervención’, ‘espontaneidad’, ‘improvisación’, ‘participación’ o ‘provocación’ y pareciera tener mucha respuesta en el público. Las mecánicas de creación escénica, entonces, no deberían negar estas expresiones, sino más bien permitir que tanto desde la dramaturgia, como la actuación y la puesta en escena tomen algunas de sus variables. Este movimiento es clave para reafirmar al teatro como creador de nuevos universos, artificios con leyes propias, en donde la ficción tenga un verdadero sentido y nos impulse al disfrute o la transformación de nuestra ‘realidad’.